Cine fantástico, de terror y de ciencia ficción. Revista online - Scifiworld http://www.store.scifiworld.es Wed, 23 Jan 2019 03:01:29 +0100 Joomla! - Open Source Content Management es-es Glass http://www.store.scifiworld.es/reviews/glass.html http://www.store.scifiworld.es/reviews/glass.html Glass

Colorín, colorado...

Hace diecinueve años, el cineasta M. Night Shyamalan sentía como medio planeta observaba con intensidad la noche de premiere de Unbreakable (2000), su por aquel entonces cuarta película. Tenía los lógicos nervios del estreno, pero en esta ocasión el nivel de estrés era especilmente alarmante. Se sabía en boca de todos con el comentario general si igualaría (no digamos superar) el excepcional nivel mostrado un año antes en su anterior trabajo, la apoteósica The Sixth Sense (1999).

Para su fortuna y la de todos los que seguimos su carrera, Unbreakable (2000) supuso la confirmación de un formidable contador de historias que sabe mezclar a partes iguales, intriga, entretenimiento y propuestas artísticas de calidad al alcance solo de los auténticos genios dotados de una singular visión; irrepetibles talentos que salen muy de vez en cuando, llámense Kubrick, Spielberg, Burton (Tim, no Richard) o los que quieran ustedes añadir a la lista.

Unbreakable (2000) plantea la posibilidad que el legado de la humanidad, sus temores, sus oraciones, sus anhelos y deseos hayan sido recogidos no sólo en la tradición oral durante miles de años, si no que además de plasmarlos con la invención de la Escritura (papiros, piedras...) pudieran ser grabados en los comics y en especial, aquellos por los que los estadounidenses tienen mayor estima: los de superhéroes de capa al viento y ropa interior visible. Aunque pueda sonar a chirigota, lo cierto es que tanto argumental como cinematográficamente el film es una suerte total a la hora de disfrutar de la apuesta que Shyamalan nos propone e incluso se reta a si mismo y consigue un epílogo con giro (más o menos sospechado) que no desentona y hasta para muchos, sorprende.

El cineasta de raíces hindúes continuó su carrera profesional hasta el 2008 con producciones tremendamente entretenidas en el peor de los casos y muy interesantes y relativamente originales en la mayoría de las ocasiones. Tanto ese cuento de terror invisible que era su Signs (2002), como la turbadora agonía que sufren los habitantes del poblado en medio de ese lúgubre bosque que era The Village (2004), la pequeña hermosa historia vista en Lady in the Water (2006) que pasaría por obra del mexicano Guillermo del Toro, pero que es fruto de su inventiva para adormecer a sus hijos o la "hitchcockiana" The Happening (2008), brillante pesadilla imposible recientemente plagiada por la pésima Bird Box (2018); todos eses largometrajes escritos por el propio cineasta y en tan breve espacio temporal lo encumbraban al Olimpo cinematográfico de directores con una mirada única.

Pero la luz que iluminaba ese torrente de ideas, proyectos y retos, empezó primero a parpadear para posteriormente apagarse tras el fiasco de The Last Airbender (2010) y la plúmbea After Earth (2013). Decía Billy Wilder que en Hollywood vales lo que tu última película, sentencia de una crudeza irónica pero tan cierta como que en España, la Justicia es una señora sin vendas en los ojos y con una balanza prestada por el dueño del ultramarinos de la 13, Rue del Percebe.

Así que el bueno de Shyamalan se mira un buen día al espejo y se pregunta "¿y ahora qué hago?". Una vocecita en su interior le dice "repite fórmula de éxitos pasados, que al público le va a dar igual". "Pero ¿cómo?, si Bruce Willis ya sabe que es un fantasma"- responde. "No, hombre con ésa no que no la mejoras, inténtalo con la del superhéroe, que puede dar aún juego". "Uhmm... vale, pero la vamos a alargar en una trilogía ahora que están tan de moda y si alguien me pregunta les diré que ya lo tenía desde hace dos décadas planeado". "Bueno, me parece bien, pero deja de hablarle al espejo que tu pareja empieza a mirarte con temor" -concluyó la vocecita (luego su mujer supo que era el representante, que le hablaba por un pinganillo inhalámbrico. Se quedó más tranquila, la verdad).

En fin, que en 2016 dirige Split, largometraje con el que recupera cierta tensión narrativa, de marcado espíritu indie, como para restañar las heridas de sus anteriores descalabros de enormes presupuestos. Película que mereció mejor fortuna comercial y más reconocimiento de la otrora rendida crítica especializada y que nos regalaba un guiño final con vistas a un desenlace entre héroe y Bestia. Guiños que por recurrentes, han dejado de sorprendernos y que vemos innecesarios en muchas de sus obras. Es como si el cineasta se sintiera "obligado" a dejarnos expectantes ante la resolución de sus películas y que en Glass (2019) alarga de manera insufrible como el cierre interminable de The Return of the King (2003)

Y así llegamos hasta el día de ayer, con una recuperada ilusión por el bueno de Shyamalan por ver qué solución nos ofrece a todas las cuestiones planteadas a lo largo de todos estos años sobre las venturas de David Dunn, las maquiavélicas maquinaciones de Elijah Price y un tercer convidado, Kevin Wendell Crumb (y sus múltiples personalidades) que damos por bueno si la ocasión lo merece.

¿Y lo merece?.

No voy a entrar en el terreno de los spoilers, ni tan siquiera contar aquello que se pueda ("y hasta aquí puedo leer"- Mayra Gómez Kemp, dixit). Voy a intentar ser lo más honesto posible en mi epílogo y sí, id a ver la película y extraed vuestras propias conclusiones, pero personalmente, Glass (2019) me aburrió a niveles cósmicos, con una penosa argumentación, con sus personajes planos, carente de ritmo y una mejorable producción técnica (lo del uso de los colores, es tan artificial que parece salido del fin de proyecto de primer semestre de una escuela de cine). Un telefilme de sobremesa de martes lluvioso en donde tienes que esperar al fontanero que ya lleva un par de horas de retraso y no encuentras mecheros ni cerillas para poder encenderte el cigarro que llevas oliendo, si no lamiendo).

Shyamalan debería replantearse el dejar de escribir sus propias películas, por que oficio tiene, pero corre el riesgo de entrar en el club de los Alex Proyas, Kevin Smith, Álex de la Iglesia y tantos otros. Autores de refererencia en el pasado pero que ahora se autoparodian como único sustento, propio del tránsfuga parlamentario de turno que no tiene nada más que ofrecer salvo su devaluada marca registrada.

Una pena. Pero no perdamos la esperanza de que nos vuelva a sorprender si consigue un mejor asesoramiento y con colaboradores más adecuados por que insisto; sus primeras películas siguen ahí en nuestra memoria y las seguimos disfrutando.

Y ahora, ya podéis empezar la lapidación.

  • Glass
  • M Night Shyamalan
  • Bruce Willis
  • Samuel L Jackson
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    javieraldariz@hotmail.com (El Guerrero Mandingo) Críticas Mon, 21 Jan 2019 12:39:47 +0100
    Clip exclusivo de La Casa de Jack http://www.store.scifiworld.es/cine/clip-exclusivo-de-la-casa-de-jack.html http://www.store.scifiworld.es/cine/clip-exclusivo-de-la-casa-de-jack.html Clip exclusivo de La Casa de Jack

    La película de Lars Von Trier que llegará a los cine el 25 de enero

    Os presentamos en exclusiva un clip de La Casa de Jack, la nueva película de Lars Von Trier que fue toda una sensación en el pasado Festival de Sitges. Disfrútalo bajo estas líneas.

    Estados Unidos años setenta. Seguimos al inteligentísimo Jack durante cinco incidentes y descubrimos los asesinatos que le definen como asesino en serie. Vivimos la historia desde la perspectiva de Jack. Considera cada asesinato como una obra de arte, pero su profunda inadaptación le plantea problemas con el mundo exterior. A pesar de la intervención de la policía se acerca inevitablemente, Jack contra toda lógica, se empeña en arriesgarse cada vez más. A medida que avanza la historia, compartimos las descripciones que hace de su condición, sus problemas y pensamientos mediante conversaciones con el desconocido Verge, donde se mezclan de forma grotesca la sofisticación, la autocompasión casi infantil y explicaciones detalladas de maniobras tan peligrosas como difíciles para Jack.

    La Casa de Jack llegará a los cines el próximo 25 de enero. No te la pierdas!

    {youtube}0_iA7-cRcus{/youtube}

    • The house that Jack built
    • Lars von Trier
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      info@scifiworld.es (Scifiworld) Cine Tue, 15 Jan 2019 20:42:06 +0100
      Ant-man and The Wasp, o cuántica para todo http://www.store.scifiworld.es/cine/ant-man-and-the-wasp-o-cuantica-para-todo.html http://www.store.scifiworld.es/cine/ant-man-and-the-wasp-o-cuantica-para-todo.html Ant-man and The Wasp, o cuántica para todo

      Como justificar todo con la palabra "cuántico/a"

      Segunda parte de la agradable Ant-man, aunque esta más floja, con un argumento rebuscado y poco interesante. Ubicada dentro del sobrecargado universo Marvel, este film se centra en el rescate de la Sra. Janet Van Dyne perdida hace 20 años en el mundo cuántico (¡¡??).

      Ant-man y the Wasp tienen la habilidad de disminuir su tamaño a placer, pero existe un límite; el cuántico. Si encogen demasiado corren el riesgo de perderse en el mundo cuántico, como ya le ocurrió a la primera Wasp; la Sra. Janet.

       

      Menguando cada vez más

      Nuestro aguerrido (y chistoso) héroe comienza a disminuir de tamaño gracias a su tecnológico traje. Ya se pudo ver en un anterior artículo (Como menguar al hombre menguante), como esto es física y biológicamente inaccesible.

      En la escena en la cual comienza a disminuir hasta llegar al mundo cuántico, antes se detiene en un estadio anterior. En este tamaño se ve en inferioridad contra un tardígrado (visto en SFW#98. Cine y Extraterrestres).

      Este animal microscópico parecido a una lombriz regordeta con patas tiene un tamaño máximo de 0’5 milímetros. Estos extremófilos pueden llevarse décadas en estado de letargo sin comer ni beber, sobreviviendo tanto en temperaturas cercanas al cero absoluto (-273ºC) como también sobrepasando los 100ºC. Su capacidad de resistir altas dosis de radiación y de reparar su ADN lo hacen un perfecto superviviente.

      Pero Ant-man aunque muy pequeño, todavía debe hacerse más. El siguiente estadio en detenerse es delante de un átomo, el cual observa directamente.

      Con este fotograma comienza el aluvión de incongruencias científicas no aptas para todos. Se podría colocar en el podio junto con El núcleo o Lucy, ambas analizadas en esta web.

      El átomo, que se puede ver en la imagen superior, es completament erróneo a la realidad conocida. Esta representación es la de Rutherford, superada desde hace no menos de 80 años. La investigación hizo evolucionar este concepto de órbitas fijas a unas (más complejas de entender**) órbitas probabilísticas.


      **Las líneas espectrales concretaron la cuantización de los electrones en sus órbitas. Años después la ecuación de Schrödinger concretó las densidades de probabilidad en sus órbitas… [al artículo completo]

       


      El mundo cuántico de Ant-man


      Ya en la escena se pasa al susodicho mundo cuántico, mencionado a estas alturas como cien veces en la película. En él podemos ver a un Ant-man contemplando su viaje hacia un extraño mundo.

      La verdad es que estéticamente es muy bonito lo que se representa aquí, pero nada más irreal y falso. La escena prosigue y finalmente el viaje se detiene, ahora el héroe debe buscar a la mujer 20 años desaparecida.

      El mundo cuánico real es extraño eincluso contrario al sentido común. Con él, un atomo puede existir en varios lugares a la vez y solo concretarse cuando se realiza una medición. Estas y otras muchas “rarezas” plagan a la mecánica cuántica.

      Al estar a tamaño cuántico, el personaje debería comportarse como tal partícula**, pero nada de eso; según se ve él sigue teniendo propiedades macroscópicas.

       


      Incongruencias cuánticas


      Ant-man sigue formado por átomos, los cuales son mayores al mundo en el que se halla; ¿como puede existir masa compuesta por átomos a tamaño cuántico?. Es como si un edificio de ladrillos fuera más pequeño que los ladrillos de los que está hecho.

      La representación del mundo cuántico es tangible, se puede ver andando e interaccionando con elementos cuánticos ( el suelo mismo) como si fueran macroscópicos. La situación más surrealista es el encuentro con la persona perdida, ¿de qué se ha alimentado?, ¿porqué viste distinta?, ¿porqué ha envejecido?.


      Y finalmente el rescate. La señal enviada para que los saquen de allí son ondas de radio, las cuales tienen comportamiento cuántico pero no se observan. Pero si están en ese mundo cuántico donde todo lo de su tipo se ve, ¿porque c_Ñ_ no se puede ver las ondas?

      El límite entre el mundo cuántico y el macroscópico está en las ondas. El famoso experimento de la doble rendija de De Broglie lo confirma. La molécula de Fulereno tiene una longuitud de onda de 10-12 metros y las rendijas por las que pasa están separadas por un tamaño medio millón de veces mayor. La cuántica resuelve que atraviesa ambas rendijas, pero si intentamos medirlo entonces se obtiene una sola señal.

      Otro problema a raiz de esto es el que acarrea el principio de incertidumbre de Heisenberg. En el mundo cuántico nada está quieto y por ello concretar una posición es arto difícil; el llamado límite de Plank. Si intentas medir la posición en un determinado momento de una partícula cuántica se hace imposible concretar a que velocidad se mueve, lo mismo a la viceversa. El mismo proceso de medida cambia el sistema. Así que tendremos a los perdidos en el mundo cuántico imposibles de concretar donde se hallan.


       

      Sé que es una película y que es ficción, pero tampoco quita que las licencias que se tomen sean un poco más respetuosas con la Ciencia que (mal)utilizan.

      • AntMan and The Wasp
      • Peyton Reed
      • Paul Rudd
      • Evangeline Lilly
      • Ciencia vs Ficción
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        cardescu@gmail.com (Cristian Cárdenas) Cine Tue, 15 Jan 2019 12:41:09 +0100
        Bumblebee http://www.store.scifiworld.es/reviews/bumblebee.html http://www.store.scifiworld.es/reviews/bumblebee.html Bumblebee

        El Transformer favorito de todos

        Cuando preguntaban de críos cual era tu transformer favorito, el 80% de la chavalaería contestaba, obviamente Optimus Prime. Había un 15% que se inclinaba por otro autobot alfa, así como Ratchett o Ironhyde y el 5% restante eran tocapelotas que optaban por Megatrón u otro decepticon de su jauría. La razón de que Bumblebee no estuviera en estas respuestas es que se da por hecho, que el simpático robot amarillo, mano derecha de Prime, les gusta a todos de por sí.

        El primer spin-off de la saga es también el primero que no dirige el jefazo Michael Bay y esto es lo que opinamos desde Scifiworld.

        Tratando de escapar de Cybertron, en el año 1987, Bumblebee encuentra refugio en un depósito de chatarra en una pequeña ciudad en la costa Californiana. Charlie (Hailee Steinfeld), a punto de cumplir 18 años y tratando de encontrar su lugar en el mundo, descubre a Bumblebee, dañado durante una batalla y descompuesto. Cuando Charlie lo revive, aprende rápidamente que éste no es un VolksWagen Escarabajo amarillo normal. 

        Bien podría considerarse casi un remake de la primera Transformers, cambiando a Witwicky por una Hailee Steinfeld bastante entonada, ya que es prácticamente lo mismo, pero a una escala más pequeña. Un carácter generalista bastante infantil marca el tono de la película de forma abrupta y es la que goza de menos batallas y sin duda, es visualmente menos espectacular. Ahora, ¿hago estos comentarios como si este hecho fuese negativo? Para nada. Y no por que las batallas no estén bien coreografiadas, por supuesto que lo están, sino porque ese tono más minoritario acompaña de forma entonada todo el film. Solo hay dos decepticons que intentar dar caza a Bee en la tierra y es a raíz de este conflicto donde gira todo. Esta vez no tenemos grandes metrópolis siendo destruidas a base de cañonazos y golpes metálicos, solo un pequeño pueblo costero californiano y alrededores.

        Donde consigue moverse a la perfección es en el cambio del costumbrismo de suburbio americano al conflicto intergaláctico de robots gigantes, dos conceptos alejados que se ven bien unidos gracias a la mano del director y también a la presencia de Steven Spielberg en la producción. Un experto ya el director de Jaws en saber influir con su estilo desde su despacho.

        Protagoniza, como ya decía unas líneas más arriba, Hailee Steinfeld con soltura, convirtiéndose en la típica heroína improvisada perfecta y en la primera persona oficial que introdujo en rutinas terrestres a Bumblebee en nuestro planeta. De hecho, de ahí salen algunas de las mejores secuencias de la película, junto con la del robot y la joven haciendo gamberradas al más puro estilo mischief night.

        Esa tierna relación que se forja entre los dos se ve impulsada en pantalla por la dorada década de los 80’s, que Travis Knight se encarga de hacerla casi material en la película con la ayuda de grandes referentes de la cultura pop de la época y sobre todo con la música, con especiales intervenciones sobre todo de The Smiths.

        En resumidas cuentas, entretenida. Puede que la más light, pero tal vez la que más encanto tiene de todas las de la franquicia. Un encuentro que merecerá la pena con el autobot más empático de todos.

        Pd: Sale Optimus Prime. No mucho. Pero sale.

        • Bumblebee
        • Haile Steinfeld
        • Transformers
        • Autobots
        • Decepticons
        • Optimus Prime
        • John Cena
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          ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) Críticas Fri, 11 Jan 2019 18:41:06 +0100
          Eliminado: Dark Web http://www.store.scifiworld.es/reviews/eliminado-dark-web.html http://www.store.scifiworld.es/reviews/eliminado-dark-web.html Eliminado: Dark Web

          Cuidado con la Deep

          Uno de los estrenos navideños más esperados por los terrorfilos, por no decir el único, era sin duda la secuela de Unfriended, aquella sorpresa de 2014 que irrumpía en las carteleras de medio mundo a modo de found footage 2.0.

          Para esta nueva entrega nos cuentan la historia de un veinteañero que encuentra archivos escondidos en la memoria caché de su nuevo ordenador, lo que le lleva al fondo de la Deep Web y contacta con una serie de individuos que pondrán en peligro su vida y la de sus amigos.

          Lo más destacable de esta segunda entrega y que más la diferencia de la primera sería la supresión del componente fantástico. Donde la amenaza antes era un ente con la capacidad de interactuar en internet, ahora son unos hackers sicarios de la web profunda. Un punto de realismo para una historia que sin duda le da algo de vida a la franquicia. Atrás han quedado ya cintas como Megan is missing (buenísima, por cierto) y si a la primera Unfriended le salió Friend Request como film espejo, esta secuela sale bebiendo de proyectos como Ratter o Searching, con elementos policíacos de por medio, pero marcada con el sello Blumhouse, evidentemente.

          En su desarrollo, tiene momentos claramente forzados y el guion da una serie de giros en algún momento determinado que ayuda más bien poco a una trama interesante, aunque cada vez más confusa, según va avanzando el metraje. Aún así sabe reponerse y salir airosa sobre todo con un final cumbre en tensión y que de alguna manera cierra el contenido de manera correcta o por lo menos, sin llegar a naufragar del todo. De alguna forma se dan sensaciones encontradas, por que, a partir de la mitad, cuando más confuso se pone el asunto es cuando más diversión ofrece el film de Susco. De esta manera asistimos a un cada vez más en aumento enreversado eje dramático mientras que se convierte en un slasher digital frenético.

          En resumidas cuentas, más atractiva en cuanto a trama que su predecesora, pero por mucho que se esfuerce, da la sensación de no llegar nunca al nivel que consiguió Gabriadze. De todas formas, un buen título para disfrutar.

          • Unfriended: Dark Web
          • Eliminado: Dark Web
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            ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) Críticas Fri, 11 Jan 2019 18:36:36 +0100
            Aquaman http://www.store.scifiworld.es/reviews/aquaman.html http://www.store.scifiworld.es/reviews/aquaman.html Aquaman

            Locura Autoconsciente

            James Wan vuelve a lo grande y para intentar sacar a DC, del agujero de inspiración en el que se encuentra. Parece que para el malayo ahora, filmar pelis de horror es tomarse un descanso entre superproducción y superproducción.

            Cuando Arthur Curry (Jason Momoa) descubre que es mitad humano y mitad atlante, emprenderá el viaje de su vida en esta aventura que no sólo le obligará a enfrentarse a quién es en realidad, sino también a descubrir si es digno de cumplir con su destino: ser rey, y convertirse en Aquaman.

            Se trata de una película de aventuras genial, donde no todo funciona, de hecho, el sinfín de “situaciones tipo”, los diálogos que el espectador medio puede adivinar antes de que estos concluyan, los personajes estereotipados a gogo o el poco expresivo Jason Momoa pueden lastrar la producción y tirar para atrás a muchos, pero su carácter de locura autoconsciente la convierte en un divertimento sin límites de los que hacen que te olvides del reloj y disfrutes sin ningún tipo de complejo. Tal vez, lo único que pueda sacarte en algún momento de la cinta, dentro de esa fantasía de déjà vus en la que te encuentras, sería un casting con alguna que otra tara. El reparto es extenso en cuanto a caras conocidas y talento, pero da que hablar, ya que, en ciertos casos, por mucho que valga un intérprete no siempre casa con la estética del personaje y lo que le rodea. Así bien, los casos de Patrick Wilson y Willem Dafoe son especialmente humorísticos, más el segundo, aunque repito, no es que trabajen mal, sino que no termino de verlos encarnando a esos seres. Por contrapartida Amber Heard y Temuera Morrison están a la perfección encasillados, al igual, contra todo pronóstico, que Nicole Kidman y un desquiciado Dolph Lundgren (una de las cosas que más molan de la película es verlo, sin duda).

            Visualmente no tiene pegas a nivel técnica, al revés, los efectos están conseguidos con maestría y goza de una imaginería extensa y acertada, pero en ciertos momentos todo es tan exageradamente new age que roza lo hortera. Un espectáculo naif que solo te funcionará si entras en el rollo de la película, y para eso amigos tienes que tomártela como sus responsables se la han tomado: a risa y a viva la virgen, sobre todo una vez sobrepasado el ecuador de la película.

            Todo esto desemboca de que Wan se ha soltado la melena con Aquaman, bastante más que con Fast & Furious VII, por cierto, y ha conseguido que entre batallas a lomos de criaturas marinas y aventuras terrestres termines disfrutando, no sabes muy bien cómo ni por qué, pero disfrutando, incluso en exceso de la cinta. Al final Wan es buenísimo y eso incluso se traduce a cuando lo tenga todo en contra. Vendría a ser como Zidane, tiene la flor en el culo y siempre se salvará de la quema. Sí, aún plagiándole parte del final a Ant-Man y La Avispa

            En resumidas cuentas, termina siendo una epopeya subacuática que podrán disfrutar todos los públicos, y muy especialmente, los amantes de la cultura kitsch.

            • Aquaman
            • Jason Momoa
            • Nicole Kidman
            • Patrick Wilson
            • Willem Dafoe
            • Amber Heard
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              ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) Críticas Fri, 11 Jan 2019 18:32:36 +0100
              GHOSTLAND Y ALGUNAS ANAGNÓRISIS POSIBLES. http://www.store.scifiworld.es/cine/ghostland-y-algunas-anagnorisis-posibles.html http://www.store.scifiworld.es/cine/ghostland-y-algunas-anagnorisis-posibles.html GHOSTLAND Y ALGUNAS ANAGNÓRISIS POSIBLES.

              El rostro de H. P. Lovecraft (1890-1937) da la bienvenida a la narración.

              De igual manera que parece hacerlo un niño amish, corriendo hacia una carretera solitaria y mirando cómo pasa un coche. En su interior viajan Beth (Emilia Jones/Crystal Reed), Vera (Taylor Hickson/Anastasia Phillips) y su madre (Mylène Farmer). Puede que este último gesto se trata más bien de un aviso, una advertencia, que solamente será vista por Vera. ¿Por qué Lovecraft? y ¿por qué un niño amish? ¿Por qué no otro autor de literatura de terror u otro niño? Pascal Laugier está enseñando sus manos, presto a realizar su truco. Desde el principio está posicionando unas referencias que jugará con ellas a lo largo de todo la trama, y aunque pareciese que estos dos elementos no tuviesen ninguna conexión, encierren concomitancias. Empecemos con el niño corriendo, de alguna manera nos retrotrae a la infancia. Aquel periodo donde todo empieza a ser consciente por primera vez dirigido por la inocencia. Precisamente, una de las características de cualquier comunidad aislada (perfectamente podríamos ubicar la Amish en el mapa) es su capacidad para establecer entre sus miembros (empezando por los más pequeños) el grado más puro. La ingenuidad funciona, además de para controlar a sus habitantes, como “tara generacional”. Y por otro lado, el peaje necesario de rendir homenaje al escritor de Providence, si quieres contar una historia de terror en la actualidad. Con este discurso en mente la historia confeccionará su particular magia en dos tiempos. El visto y no visto. Primero, transformando su geografía. Una de las características “lovecraftianas” es la sugerencia metonímica.

                                  Ghostland 12

               La casa se transformará en un personaje más de la función y segundo, centrándose en su tema ocupándose  de cercenar la ingenuidad de las protagonistas, o al menos la de Beth, de cuajo. Aunque pareciese una boutade, igualmente existen dos maneras de acercarse a esta Ghostland (Incident in a Ghostland, 2018). El director galo lo sabe, la consciente y la inconsciente. La parte en la que te lleva de la mano y la que te empuja al abismo. Es una dupla característica que ha ido perfeccionando a lo largo de su carrera (desde Martyrs, 2008, hasta El hombre de las sombras, 2012). La historia va encaminándose por una cierta cotidianidad hasta que se van detonando una serie de golpes de efectos, típicos y tópicos del género, que conducen al primer punto de giro de la narración en forma de anagnórisis. A partir de ese momento, nos adentramos en una “terra incognita”. La extrañeza suele durar poco. Lo suficiente para que, en nuestro caso, veamos una solución de puesta en escena que rinde homenaje a Hitchcock. Posicionar la cámara en picado de tal manera que no veamos el rostro de Beth y por lo tanto su “despertar” a primera vista. La ubicación de este recurso narrativo por el cual el personaje reconoce, y por lo tanto, recompone su mundo suele estar adherido a la mitad de la diégesis, configurando un curioso “parteaguas” dramático, y también desequilibrando un poco la narración, si no se hace correctamente. No es el caso. El desconcierto perdura, es más, hay una secuencia de un baile entre Beth adulta y su Madre ridículamente caníbal.

                                   Ghostland 1

               Beth ya ha visto a su hermana que sufre ataques epilépticos después de sufrir un trauma en su adolescencia, y se queda con su madre en el salón de la casa donde ocurrieron los atroces hechos. Mientras Vera permanece encerrada en el sótano, las dos mujeres se emborrachan, aunque más la progenitora que la hija, acabando en un desconcertado baile donde la madre la huele, literalmente, y llega a decir que echaba de menos ese olor de hija y que le hubiese encantado comerse a sus hijas. Beth se aparta de su madre y, aunque sabe que está ebria, la insta a parar diciéndola que no tiene sentido lo que está diciendo. Ese momento de “Saturna devorando a sus hijas” está situado en el momento justo, donde poco después se producirá el proceso de anagnórisis. Pero antes de que el verdadero sentido protagonice la parte final de la película, Beth tendrá que construir la otra realidad y existe otra secuencia maravillosa donde podemos comprobarlo. Es como si  levantásemos la tramoya “brechtiana” de la representación y viésemos todo su dispositivo.

                                   ghostland 13

               Poco después de aparecer la incertidumbre en forma de camión de golosinas, adelantando el coche de las protagonistas, llegan a una gasolinera. Las tres se separan y Beth empieza a conquistar el interior del espacio. Camina lenta, cruza unas palabras con una dependienta que, torpemente, se excusa para dejar a la joven sola en la gasolinera. Beth explora los alrededores. Ve una pila de libros y se posiciona sus gafas para contemplarlos con más detenimiento, pero no es lo único que hace. La portada de uno de los periódicos la llama poderosamente su atención. Lógicamente se trata de un crimen en titulares. Parece ser que hay un serial killer matando familias por ahí.

                                   ghostland 7

               Después de ojear entre sus páginas, alza la vista y observa que el fluorescente empieza a parpadear rítmicamente. El sonido aparece más intenso y ella se da cuenta, más que nunca, que está sola. Será la presencia de su hermana quien la rescatará de su proceso mental. En ese momento estaba ordenando su realidad y al mismo tiempo construyendo el andamiaje ficticio, generando la imaginación suficiente para creerse que lo extraño, lo misterioso pudiese filtrarse en ese momento, en ese espacio, avasallándola. La forma cinematográfica hace acto de presencia: la música, la fotografía, la posición de la cámara, el tratamiento del espacio, con el único propósito de asistir al nacimiento de una idea, de una historia, en la cabeza de la actante. Es como si Beth inconscientemente estuviera amoldando unos hechos en principios anecdóticos para insuflarlos una vida nueva, terrorífica. Con el paso del tiempo, el director nos hará ver que Beth se ha convertido en una prestigiosa escritora de género a lo Stephen King. De alguna manera, esa secuencia en la gasolinera establece un maravilloso juego de espejos donde el potencial narrativo juega un papel esencial, plegando la realidad más circundante e inventándose otra nueva.

                                   Ghostland 9

              Lo dice la propia Beth cuando le pregunta que qué es lo que más le gusta en la vida, y responde mirando a cámara que escribir historias. ¿Y si todo lo que hemos visto no ha sido más que eso? Una fábula donde brujas y ogros persiguen a niños, como le llegan a decir a una agente de policía. Y reforzando esa idea, no podemos olvidarnos de un plano posterior de una máquina de escribir tirada en el suelo. Nadie parece percatarse de la presencia del objeto pero el director le dedica un plano. Quizá, llegados a este punto comience otra anagnórisis pero esta vez en el narratario.

                                    Ghostland 10

               

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              Proyectom05@hotmail.com (José Amador Pérez Andujar) Cine Fri, 11 Jan 2019 12:31:14 +0100
              Blood Window 2018: "Sangre Vurdalak" & "Inmaculada" http://www.store.scifiworld.es/eventos/blood-window-2018-sangre-vurdalak-inmaculada.html http://www.store.scifiworld.es/eventos/blood-window-2018-sangre-vurdalak-inmaculada.html Blood Window 2018:

              Los proyectos argentinos se llevan los premios de participacion en los mercados de los festivales BIFAN y Sitges.

              Santiago Fernández Calvete (La Segunda Muerte) y Gonzalo Calzada (Luciferina) se han llevado los premios de pitching en Blood Window, el mercado cinematográfico que tuvo lugar en Ventana Sur el pasado diciembre. Lo cual significa que el primero irá con su producción a BIFAN, en Corea, y el segundo a Sitges, en nuestro país.

              Ambos títulos eran ya conocidos por este medio ya que asistimos a sus pitchings en el pasado fantasmercado de Fantaspoa, que tuvo lugar en Porto Alegre, Brasil, y de los que ya hablamos en la edición impresa de la revista. 

              SANGRE VURDALAK, se tratará de una coproducción argentino-mexicana con Aramos Cine y Red Elephant como compañías involucradas. La película nos sumergirá a explorar la mitología vampírica del Vurdalak. Un Vurdalak es una especie de vampiro que solo se alimenta de la sangre de su propia familia, amigos y amantes. Innovador punto de partida para renovación de unos de los géneros más trillados que ya ha visto el cine de terror. Nos narrará como justamente después de matar a un vampiro, un hombre regresa a su casa en la hora mágica. Su familia no sabe si ha vuelto humano o transformado en chupasangre pero Natalia, su hija teenager, terminará comprobando que es un vampiro justo cuando su hermano la abandona a su suerte y llega la noche. 

              Por su parte, INMACULADA supondrá la segunda parte en la que será conocida como La Trilogía de las Vírgenes, lo que parece ser de alguna manera una influencia de la Trilogía de las Madres de Argento, que hablará de, siempre con características y mitos diferentes, de la eterna lucha entre el bien y el mal y siempre también desarrollando temas sudamericanos. Tras Luciferina, cinta de la que también dimos buena cuenta tras pasar la película por Fantaspoa y Sitges el año pasado, Calzada nos volverá a brindar un film de posesiones, al parecer más novedoso y de temática inédita. El santoral profano y una niña aparentemente milagrosa serán las premisas en las que se cimentarán esta Inmaculada.

              • Blood Window
              • Ventana Sur
              • Sngre Vurdalak
              • Santiago Fernandez Valvete
              • Gonzalo Calzada
              • Inmaculada
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                ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) Eventos Fri, 11 Jan 2019 12:15:41 +0100
                Animales Fantásticos y Dónde Encontrarlos (J. K. Rowling) http://www.store.scifiworld.es/la-biblioteca-incontable/animales-fantasticos-y-donde-encontrarlos-j-k-rowling.html http://www.store.scifiworld.es/la-biblioteca-incontable/animales-fantasticos-y-donde-encontrarlos-j-k-rowling.html Animales Fantásticos y Dónde Encontrarlos (J. K. Rowling)

                El guión original de la película, que es mucho más que un guión normal, y mucho más también que un film oportunista.

                Inútil a estas alturas explicarle al gran público quién es J. K. Rowling (Reino Unido, 1965) y quién es su personaje estrella, el niño mago Harry Potter que incluso se ha hecho adulto ya: siete novelas originales llevadas al cine en siete mas una películas absolutamente exitosas, varios libros más relacionados con ese mundo, y hasta una obra de teatro que explica precisamente qué pasó con los personajes cuando se hicieron adultos, dan fe de un fenómeno que lejos de haber perdido fuelle sigue gozando de muy buena salud, y este libro es la mejor prueba de ello… a pesar de que no estamos hablamos de un libro, sino de un guión cinematográfico. ¿Y por qué? Pues en primer lugar, porque está escrito por la propia J. K. Rowling (lo cual no es baladí, habida cuenta de que la citada obra de teatro no salió de su pluma), en segundo lugar, porque es nada menos que el primero de los guiones cinematográficos que hace en su vida (es decir, no está basado en ningún libro previo), y en tercer lugar, porque no es una historia de Harry Potter pero sí es una historia de su mundo, y una historia del todo importante para poder comprender precisamente todo el contexto de ese personaje y sus aventuras.
                 
                Así pues, ¿qué es exactamente lo que tenemos aquí? Pues sencillamente eso, es decir, el esqueleto de una película que ha sido un absoluto éxito de crítica y público (y que inicia una saga que parece ser se prolongará en cuatro entregas más, y viendo la extraordinaria acogida que ha tenido la segunda recién estrenada, “Los Crímenes de Grindewald”, parece que la cosa avanza a muy buen ritmo), y que nos sirve para darnos cuenta de unas cuantas cosas. En primer lugar, de cómo la propia creadora es la mejor guía para su propio mundo, y cómo lo hace además de una forma entretenida e inteligente (lo cual es de agradecer, ya que en Hollywood raras veces se preocupan de hacer películas que tengan detrás una historia sólida y coherente), y en segundo lugar, de cómo el mundo mágico de Rowling sigue estando lleno de agradables sorpresas que los efectos especiales de hoy en día pueden convertir en algo de lo más coherente. Y si a ello le añadimos el buen hacer de Rowling respecto a lo de siempre (creación de personajes, creación de escenarios, planificación de situaciones…), el resultado es una película que, como ya se ha dicho, ha sido un rotundo éxito, y continúa siéndolo.
                 
                Y por eso el guión editado, lejos de ser un simple apéndice del éxito cinematográfico, es con justicia un texto autónomo que en sí mismo se lee con placer, que está editado con un cuidado y un mimo que ya quisieran muchos libros “de los normales” (publicado por Salamandra en 2017, reproduce fielmente el diseño original de MinaLima, los artistas gráficos que llevan años enriqueciendo los mundos de la escritora de forma deliciosa, e incluye hasta un glosario de términos cinematográficos que facilita la lectura a quienes no están familiarizados con el medio), y que muestra por sí solo la firmeza del trabajo de Rowling. Por lo tanto, es deseable que este sea simplemente el primero de muchos escritos (y editados) por ella…
                 
                -Qué: la base del mundo mágico tal y como lo conocemos hoy en día.
                -Quién: Newt Scamander, y todos los que le acompañan (con especial mención a ese nomag tan simpático y entrañable).
                -Cómo: con un detallismo que hace que cualquiera desee tener el libro en su estantería.
                -Por qué: sin duda, porque es inteligente, y ojalá pudiésemos decir lo mismo de todos los guiones de grandes producciones cinematográficas…
                • Animales Fantásticos y Dónde Encontrarlos
                • J K Rowling
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                  Jhazael2001@hotmail.com (Házael González) La Biblioteca Incontable Sun, 06 Jan 2019 16:02:35 +0100
                  A PRÓPOSITO DE N. Episodio segundo http://www.store.scifiworld.es/cine/a-proposito-de-n-episodio-segundo.html http://www.store.scifiworld.es/cine/a-proposito-de-n-episodio-segundo.html A PRÓPOSITO DE N. Episodio segundo

                  "Se terminó la noción romántica de ver las películas solamente en la pantalla grande."

                                                                                                                                         Ted Sarandos.

                  El encargado del departamento de contenidos en Netflix recuerda su primer acercamiento a la empresa, como un viaje a Marte. Lo que más le llamó la atención fue un cierto caos representado por infinidad de cajas distribuidas desordenadamente por todos lados. Lo que estaba viendo, y en ese momento no era consciente, era el objeto que hacía posible el envío de miles de dvds a millares de casas en Estados Unidos. Gracias a esas cajas, estaban manteniendo el negocio, uno que cambiaría drásticamente con la irrupción de Internet. Con el paso del tiempo el empresario cambió de actitud y empezó a apostar por la compañía. Se produjo un interesante proceso mental, pasó de la duda sobre su futuro laboral a creer en el proyecto de Reed Hastings, convirtiendo su decisión en acto de fe. Hoy en día ya sabemos qué es el streaming y cómo utilizarlo, pero en los días pioneros de la técnica digital debió ser complicado comprender el presente con vistas a un futuro incierto. El concepto de apuesta es vital ya no sólo en el mundo empresarial, sino en todo aquello que nos preocupa. El desafío a lo desconocido indica el camino, pero es uno peligroso. Lo mismo tendría que haber pensado Alfonso Cuarón cuando se alió con Netflix para sacar adelante su nuevo proyecto, Roma (2018). Algo tuvieron que ver para producir el film al creador mejicano. Es cierto que Cuarón no es el mismo que hace unos años, cuando empezaba a ser reconocido por películas como Y tu mamá también (2011) por ejemplo, pero qué duda cabe que su proyecto más reciente es uno personal, honesto y valiente. Un regreso, desde el altar industrial, a un cine más intimista, más pequeño, aunque como veremos, seguirá intentando romper con lo establecido o, por lo menos, con esa sensación rancia de acotar los géneros y las formas visuales. Roma podría calificarse de film contradictorio en un sentido técnico. Rodada en digital de 65 mm en blanco y negro, la sensación que uno tiene es que está contemplando, efectivamente, una película en blanco y negro pero una contemporánea. Al director no le interesa un blanco y negro referencial, más bien está abrazando un cromatismo moderno, alejándonos de una posible elegía de un tiempo perdido. También rompe con la concepción de la puesta en escena intimista, aunque existen momentos para la intimidad por supuesto, y también transforma el proceso identificativo entre el espectador y el personaje. En definitiva pequeños destellos de observación, o mejor dicho, recuerdos de un mundo.

                                        

                                        Roma poster

                   

                  Roma. Asalto a la inocencia.

                   

                  Ese México nos parecía detestable, queríamos mostrar el otro México. El que conocemos, donde está la ignorancia, la deodez, la falta de educación, la miseria, […]. Mucho más que la intención de hacer películas, queríamos hablar de otra cosa y eso nos exigía implicarnos en temas políticos.

                                                                                                            Felipe Cazals en Canoa (1975).

                   

                  Roma nos cuenta los recuerdos de Alfonso Cuarón (su infancia en los años setenta del siglo pasado) y Canoa, describe un suceso del pretérito perteneciente a los sesenta (el linchamiento de cinco empleados universitarios y un campesino que los hospedó, en San Miguel Canoa). ¿Por qué elegir Canoa y no otra película mejicana, o mejor dicho, por qué no elegir a otro director azteca? No sólo Cuarón pero también podríamos citar a Iñárritu o Del Toro, cineastas de rabiosa actualidad, que consideran a Cazals como uno de sus maestros y sus films, piedras angulares de la filmografía universal. Cuando el prestigioso sello Criterion decidió sacar una nueva copia de Canoa, no lo dudaron ni por un segundo, tanto Guillermo como Alfonso aparecieron en los extras del DVD/Bluray, haciendo el primero una presentación de la película y el segundo una masterclass con el maestro. Los relatos de Roma y Canoa están relacionados con un año y no es el de la producción de sus respectivos trabajos: 1968. El 14 de Septiembre de ese año se produjo el linchamiento y, solamente 18 días después, el 2 de Octubre, se produjo la masacre de Tlatelolco en la Plaza de las tres culturas de la capital mexicana. Tres años después, sucederá otra masacre, la del Corpus Christi o llamada el Halconazo, en el D.F. de la cual Cuarón tomará buena nota.

                   

                                       Roma 11

                   

                  La violencia imbrica la estructura de las dos películas pero con diferente ímpetu narrativo. Para una supone su eje vertebrador (Canoa), y por tanto su mostración directa de los hechos, y para la otra (Roma), es una nota a pie de su diégesis, y por tanto tiene más de demostración  elusiva. De hecho existen dos planos que se comunican entre ambas ficciones, uniéndose en ese “metadiscurso” sobre la potestad de la violencia y su control. Coinciden en dos momentos intensos de ambos relatos. En Canoa, un personaje se acerca a cámara portando un hacha, posicionándose en plano detalle al espectador y en Roma, es una pistola ubicada en la misma posición y mostrándose de igual manera al testigo de la narración. Resonancias formales que se nutren de un mismo contenido para posicionar su denuncia sobre un mismo tiempo. Lo expresa mejor Cazals cuando revisitó su film en los institutos, mostrándolo a los jóvenes. Éstos al finalizar las proyecciones se mostraban descreídos, porque no pensaban que este tipo de cosas pasaba en su país y, porque pensaban que era algo impensable que se les hiciese a jóvenes como ellos: “luego entonces la película si educa. El cine es mucho más cabrón de lo que parece y para eso está hecho.” Si nos quedásemos con las palabras del veterano director mexicano, tendríamos al principio la construcción de una denuncia y al final, su análisis. Pues bien, Roma denuncia y analiza pero de una manera marginal. Es por esa razón que sus mecanismos de contestación no sean tan directos  como los de Canoa y prefieren perderse en los detalles (los íntimos y los sociales).

                  Dado que la película de Cuarón es una rodada cronológicamente, es importante fijarse en su comienzo mismo. La génesis del relato es una apuesta por un discurso lateral de los hechos. Arranca con un primer plano de unas baldosas en el suelo. La imagen por lógica sería la que protagonizará el susodicho plano, que lo es, pero lo prioritario está construido bajo otro punto de vista, el sonoro, por tanto nos encontraremos con un proceso curioso y tremendamente difuso como es el de la auricularización, estableciéndose la ficción bajo los parámetros del fuera de campo cinematográfico. Escuchamos como el agua se vierte sobre la superficie y después oímos una frotación. Emerge el milagro. La superficie de baldosas es una opaca pero con la invasión del agua, se vuelve diáfana y se conforma una especie de marco por donde vemos reflejado un avión que pasa de un lado a otro.

                   

                                       Roma7

                   

                  Las sucesivas incorporaciones del líquido y el posterior fregado del suelo con esas burbujitas del jabón Roma, típico de la época, harán desaparecer y regresar la imagen, convirtiendo la puesta en escena en algo que pareciese nacido del azar creativo. Nada más lejos de la realidad. Stéphane Mallarmé (1842-1898) lo explicó muy bien bajo un título de un poemario suyo: “Un golpe de dados jamás abolirá el azar”. La opción escogida por el director para “celebrar la noción de espacio y respetar el tiempo que fluye en su interior” se conseguirá con el movimiento panorámico pivotando sobre el mismo eje de la cámara, en dos movimientos (de derecha a izquierda y viceversa), pareciendo la única solución posible para esperar que ocurra algo y la cámara lo capte. Es decir, para que los personajes dejen de actuar y simplemente existan en ese tiempo concreto, sustraído del recuerdo. Y no convendría olvidarnos de ese avión. Su presencia, ya no sólo al principio, sino durante y en al final de la historia nos conducirá a un interesante símil. Es algo lejano, perdido en las nubes, carente de protagonismo social y político en la historia pero puede ser al mismo tiempo, testigo excepcional de los hechos debido a su distancia. Además formalmente, el movimiento del avión es uno que después imitará el movimiento panorámico de la cámara ya descrito. Después de visionar la película, uno tiene la sensación, escribiendo sobre ella, de que esa aeronave bien podría ser la personificación de la protagonista, Cleo (Yalitza Aparicio), ya que aparece cuando está ella y además, sobre la misma recaerá también ese mismo movimiento oscilatorio con todo lo que la irá sucediendo y con todo lo que será testigo. No existe la duda al respecto, nos encontramos ante la construcción de una mirada, la de Cleo. Es el primer personaje en aparecer despertando, literalmente, a la casa y a sus habitantes, convirtiéndose sencillamente en nuestra guía narrativa.

                   

                                       Roma 4

                   

                  A través de sus ojos miraremos el mosaico de un país donde la familia será el punto de partida para hablar de la perversa relación entre raza, clase y sexo, enquistados social y políticamente. Cuarón delega sobre ese punto de vista, al que no pertenece pero al que se somete para confeccionar su homenaje a la inocencia, ya no sólo de un personaje sino de sus gentes, realizándolo sutilmente pero al mismo tiempo, disfrazándolo de una verosimilitud maliciosa. Todos los planos generales en exteriores, salvo aquellos acontecidos en el interior de la finca, o más concretamente en sus límites, aportan el contexto político a través de un milimétrico atrezzo en forma de carteles publicitarios por las calles. Los del presidente electo Luis Echeverría son un buen ejemplo. De alguna manera, “lo político”, busca su protagonismo en la narración En la finca de la familia, la relación humana es tan potentemente estratificada, que es impensable la presencia política. Es un lugar que nos remite al anacronismo. Pareciese un señorío feudal, donde los nobles van a cazar y divertirse, y es donde mejor se ejemplifica la relación clasista de sus miembros. Cuando Cleo cambia de ambiente y deja a la familia, baja por una escalera que la conduce a otro espacio, a uno rodeada de los suyos. Por lo tanto, ya no sólo se establecen muros entre los seres humanos sino tan bien se edifican fronteras geográficas, denotando que la distancia escénica es psíquica y física al mismo tiempo, negando cualquier relación paritaria, y haciéndonos recordar al Renoir de La Regla del juego (1939), cuando posiciona a sus personajes en diferentes ambientes bajo un mismo techo. Y si bien es cierto que también esto pasaba en la casa de la colonia Roma, donde las dos trabajadoras domésticas nos regalaban una cariñosa privacidad, a la hora de hacer sus ejercicios gimnásticos o al intercambiar sus chismes, separadas del resto de la vivienda y de sus habitantes, el director  nos deja entrever en esos retazos de cotidianidad la posibilidad de una alianza, la edificación de una esperanza, aunque sea una marginal: la mano del niño más pequeño posándose sobre el hombro de Cleo y ésta agradeciéndole, rozándolo cariñosamente cuando toda la familia está absorta viendo la televisión.

                   

                                       Roma 12

                   

                  Existe otra diferencia sustancial entre los dos únicos escenarios protagónicos de la historia, donde conviene resaltar el componente de género. En la finca, la presencia del hombre es notoria, o diríamos que la femenina es bastante conformista, mientras que en la casa es casi ausente. Es más, Cuarón nos presenta a su padre, descuartizado hitchcockianamente en planos detalle y primeros planos. La figura del hombre en  la finca es más protagónica, son los garantes de la acción, los que pueden ejercer la violencia y aparecen disparando o intentando aprovecharse de alguna de sus habitantes y también son los primeros en caer en las garras de Baco, mostrándose un irónico cruce entre fortaleza y debilidad. La ridícula aparición de las armas, disparando a la nada (otra vez la figura del off cinematográfico) pudiese presagiar el advenimiento de la violencia, pero ya hemos sido testigos de otro aviso, en forma de terremoto, cuando Cleo está en el Hospital y se produce el temblor. Es un vaticinio narrativo de algo que hará transformar al personaje, se va a convertir en madre, aunque el plano con los cascotes sobre una incubadora de un bebé prematuro no auguran nada bueno al respecto, y también se cierne sobre el panorama político una mutación. Atrás dejaremos los bulliciosos planos generales de la gente disfrutando de la vida en la calle, invadiendo las tiendas, los cines, siendo registrados por travellings horizontales para acabar con otros tipos de planos generales (los de la manifestación por ejemplo), rodados en la distancia, parapetando a sus testigos, y de una cualidad estáticamente terroríficos.

                   

                                       Roma 8

                   

                  La presencia de Luis Echevarría, antiguo secretario de gobernación y encargado de crear un comité de seguridad en los tristes sucesos de Octubre de 1968, no es anecdótica sino deliberada. El clima de Mayo del 68 salpicó a toda Latinoamérica de forma dispar, dependiendo de cada país y de cada realidad, pero compartiendo una misma característica: el cercenamiento con una contundente violencia descarnada contra una renovación generacional. El grito (Leobardo López Aretche, 1968) es la película seminal en ese sentido, ya no solamente para una cinematografía como la azteca, sino que alimentará a una monumental e imprescindible película como La batalla de chile (Patricio Guzmán, 1975-1979). Y también suena diegéticamente en el entramado de Roma donde explosionará en la secuencia de la Masacre del Corpus Christi. El momento vuelve a ser recogido por una panorámica de derecha a izquierda: unos jóvenes buscan a otro para matarlo. El primer plano de una pistola ya citado nos anuncia una revelación en Cleo, quizá quien esté con los asesinos sea alguien que conoce, en ese justo momento rompe aguas y tiene que marcharse a un hospital con la abuela y el chofer de la familia. La secuencia se alimenta del violento contexto político donde el presidente, repitiendo lo errores del pasado, volverá a crear nuevos batallones para mantener a resguardo “(su)seguridad”, los llamados Halcones. Esto lleva implícito un razonamiento, impertinentemente esclarecedor, de la situación de banalidad y descreimiento de la sociedad mexicana que denunciaba Cazals. Sólo hay que oír a los supervivientes de la masacre de Tlatelolco, repitiendo a día de hoy su asombro, al rememorar los tristes hechos y preguntarse cómo fue posible que su ejército marchase contra ellos. Esa inocencia, esa sensación de protección conformista en las fuerzas militares, me recordó a la misma de los jóvenes estudiantes observando Canoa. Quizás (y esto se puede extender a cualquier parte del mundo) sea un proceso inconsciente generado desde la falta de perspectiva educacional y promovido por una salvaje corrupción que ahoga a una mayoría conformista en una situación de miseria eterna, donde asumir la pasividad es un acto de fe servil. Esto estará reflejado en la odisea de Cleo por saber qué le ha pasado a su novio Fermín (Jorge Antonio Guerrero). La joven camina, y en algunos casos, salva los obstáculos de barro y los charcos de agua, caminando por calles fangosas rodeadas de chabolas (las “ciudades perdidas” que diría Buñuel de Los Olvidados, 1950) que se extiende hasta el infinito hasta llegar a un descampado.

                   

                                       ROma6

                   

                  Aquí, la técnica de la panorámica vuelve a mutarse en travelling horizontal, siguiendo al personaje y al mismo tiempo retratando un mundo, una sociedad. Delante de Cleo pasa un niño disfrazado de astronauta con unas cajas, o al fondo del plano, como si la vida pasase “realmente” ante la protagonista, gente mirando un espectáculo circense de un hombre cohete. La carpa también se correrá ante Cleo y ante nosotros, cuando por fin encuentre a su novio. Fermín está entrenando en un descampado con un grupo de jóvenes y la protagonista decide pedirle alguna explicación de su desaparición, sobre todo sabiendo que está embarazada de él. Vemos planos generales de un grupo de jóvenes entrenando un arte marcial con palos. Alrededor de ellos se congregan la gente mirándolos y divirtiéndose con ellos. Conviene señalar la condición de espectáculo siendo disfrutado por el público a su alrededor.

                   

                                       Roma 2

                   

                  El dominio del grupo ejercido bajo su pasividad. Uno siendo controlado por unos siniestros personajes, vestidos con ropa militar o de calle y entre ellos, la figura de un ridículo entrenador, disfrazado como si fuese el mítico Santo, dándoles lecciones de concentración y haciéndoles repetir un bufo ejercicio, que ninguno de los allí congregados sabe hacerlo correctamente, salvo Cleo que lo copia a la perfección. La masa engatusada para hacer cualquier cosa, embelesada, sometida a la decisión de uno. De ahí a convertirlos en asesinos hay poco trecho, simplemente cambiándoles un palo por una pistola. Aquí también se reflejará muy bien el contexto social, haciéndonos partícipe de quien podría terminar en uno de esos batallones paramilitares. Los más desfavorecidos, aquellos que no tiene nada y pueblan la búsqueda de Cleo, y a los que se les puede prometer de todo. Pero hay otro apunte muy interesante. Uno de poderosa raigambre identificativa con el actante. Con esta secuencia hemos pasado de la caricatura a la violencia de los personajes, una transición lógica si atendemos al comportamiento que han ido teniendo en su relación. En un primer encuentro, en una habitación de hotel, Fermín la hace partícipe de una escenificación (repite los mismos movimientos con una vara de una bañera pero desnudo), no hay más que ver cómo Cleo le dedica una mirada de resignación por la futilidad del hecho y de cariño, arqueando su sonrisa hacia un lado, se está enamorando de él y después, en el descampado, antes de subir a un camión ya no de jóvenes sino de sicarios institucionalizados, Fermín la llegará a amenazar con matarla, a ella y a su bebéEl  rostro de Cleo se ha transformado pero no sólo el de ella, el de espectador también lo ha hecho. Hemos pasado de la sonrisa del primer momento a su congelación en el segundo.  Cosa curiosa, si creíamos que esto de la inocencia no nos podría salpicar, films como Roma, nos posiciona a todos ante ese candor y eleva a su protagonista a casi heroína mitológica cuando “salva de las aguas” a los niños que tiene a su cuidado, sabiendo que no sabe nadar.

                  No importa, una puede ser tontamente inocente (el desengaño amoroso), la pueden insultar (el padre le echa la culpa de las excreciones de un perro que no sale nunca de paseo) o llegar a ser ninguneada (cuando la ingresan para dar a luz, la abuela solamente sabe su nombre, no sabe nada más de ella) que ella lo soportará. Sus actos son de una inconsciencia terrible pero ejemplifican una honestidad inquebrantable que la posicionan en un lugar privilegiado, como símbolo (y sus actos son simbólicos al respecto, cuando suba una escalera, dirigiéndose a ese refugio que es la azotea donde ha tenido un momento de intimidad con el más peque de la casa, haciéndose la muerta con él mismo), como vínculo ya no solamente de una familia sino de una sociedad que ha estado ninguneando a las trabajadoras domésticas durante años, y donde los mexicanos han construido familias enteras.

                   

                                      Roma 5

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                  Proyectom05@hotmail.com (José Amador Pérez Andujar) Cine Sun, 16 Dec 2018 22:52:33 +0100